DESCRIPCIÓN DE ACTIVIDADES ATENEOS JUVENIL Y ADULTOS
MÚSICA
Prof. Ricardo Gassent-maderas, Raúl Sánchez-cuerdas, Fernando Camacho-metales, Claudia Pérez-piano, María Cueva-piano, Prof. Natalia Calderón-coro gospel.
Dirigidas a las dos actuaciones de fin de curso, las actividades están organizadas en clases colectivas, individuales y de música de cámara, enfocadas al desarrollo técnico y expresivo que permita a su vez la estimulación y desarrollo de creatividad propia y colectiva. En el caso del Ateneo Juvenil el alumnado se organizará en grupos de edad. Además, se formarán grandes agrupaciones (Banda/Orquesta) como punto de encuentro de todo el alumnado, tanto joven como adulto.
Se realizarán dos conciertos. Uno será lo que denominamos «Paseo artístico nocturno», donde llenamos de arte los lugares más especiales y evocadores de Albarracín, y el otro el concierto fin de curso en la Iglesia Auditorio de Albarracín, donde mostramos todo el trabajo realizado con las agrupaciones, música de cámara, coreografías y teatro.
- Viernes 25.07. Paseo artístico nocturno
- Sábado 26.07. Concierto fin de curso
DANZA, MOVIMIENTO CREATIVO, CONCIENCIA CORPORAL Y TALLER DE COREOGRAFÍA.
Se trata de un taller centrado en la experiencia del cuerpo y sus posibilidades físicas y expresivas a través del movimiento. Con una parte de calentamiento y otra de recursos creativos para relacionarse con el espacio, con otros cuerpos u objetos y con otros lenguajes artísticos. La danza es un recurso pedagógico con muchas facetas a desarrollar: en primer lugar nos hace conscientes de nuestro soporte vital, el cuerpo; en segundo, nos familiariza con un lenguaje físico que es intuitivo, expresivo y creativo, el movimiento natural del cual nace el movimiento estilizado y codificado; y en tercer lugar nos permite tener una experiencia de nosotros mismos más rica y profunda que de alguna manera posibilita la relación con los demás y el mundo que nos rodea (inteligencias inter e intrapersonales de Gadner).
Por su naturaleza, ya desde el punto de vista expresivo o desde un enfoque conceptual, se aviene maravillosamente a colaborar con otros lenguajes artísticos, especialmente con la música aportando la dimensión espacial y visual. En estas jornadas tendremos la oportunidad de barajar experimentalmente conceptos como:
- El movimiento por dentro: imágenes , sueños, sensaciones. Visualización del cuerpo
- El movimiento por fuera: la respiración, puente con el exterior. Conciencia corporal y calentamiento
- Energías que determinan el movimiento: la gravedad, la expansión- contracción
- Trabajo espacial: direcciones, relaciones, tamaños y trayectorias
- Recorrido del tiempo: ritmos, dinámicas y velocidades
- Trabajo creativo: improvisación, composición y coreografía
- Cuidado del cuerpo: alineamiento, relajación, masaje y manipulación
Como complemento a esta formación, se trabajará el alineamiento corporal (según la Técnica Alexander) un cuidado personalizado para trabajar los hábitos de postura y movimiento relacionados con el uso cotidiano del cuerpo, que es el primer instrumento, así como las posibles tensiones, o bloqueos energéticos, derivadas de la práctica continua. Abordaremos las conexiones de las partes del cuerpo desde la fluidez, para conseguir el máximo resultado funcional con el mínimo esfuerzo, focalizando en soltar esos puntos de tensión para reequilibrar el cuerpo hacia su forma y uso natural. Despertaremos la conciencia del efecto de la gravedad en nuestros cuerpos y la huella de los estímulos internos y externos que modelan nuestro modo de estar y mover. Tendremos la experiencia de cómo actuar fisicamente de otra manera más saludable y efectiva. En resumen procuraremos la conciencia y sensibilización del cuerpo a través de la experiencia, para mejorar su uso y conseguir una función satisfactoria en cualquier rama de la práctica artística así como en la vida en general.
En la medida del interés y la distinta formación de los grupos por edades, se planteará un taller coreográfico que se expondrá en alguna de las muestras de finales del curso.
La práctica de la atención plena ha cobrado mucha importancia en los últimos años gracias a la gran aportación y aumento de estudios científicos que evidencian los beneficios de esta práctica en las capacidades de control atencional y regulación emocional que inciden en la mejora del bienestar, la competencia social y el rendimiento académico de las personas. Existen diferentes maneras de definir Mindfulness. Quizás, en nuetro contexto, podríamos definirla como la capacidad de prestar atención de manera intencionada a todo lo que ocurre en el momento presente sin juzgar. La combinación de la práctica de la atención plena con la práctica músical, dancística y escénica es un potenciador de ambas. Por ello, la base del curso se sustenta en aplicar la práctica de mindfulness así como una metodolología de la práctica instrumental y dancística basada en la atención plena. Todas las mañanas comenzamos con una hora y media de práctica instrumental basada en mindfulness (PIBM) aplicada al repertorio a interpretar y a la manera de estudiar y practicar. También iremos conociendo distintas prácticas como la meditación de la respiración, los movimientos conscientes y el escáner corporal. La atención plena es, a su vez, una excelente herramienta para la toma de consciencia de las fortalezas de carácter (parte positiva y adaptativa de la personalidad que contribuye al desarrollo integral y florecimiento de las personas) propias y colectivas. Sabemos que su implementación en los sistemas educativos -también a través de las artes escénicas- puede contribuir al bienestar presente y futuro de las generaciones más jóvenes. Por ello aprenderemos a identificarlas, desarrollarlas y saber usarlas.
TALLER DE CORO GOSPEL
La voz es el instrumento que nos es propio a las personas. Nos conecta directamente con nuestra identidad y nuestra expresión más íntima. Este año queremos poner en valor la necesidad de explorar los recursos que la voz nos ofrece como medio de expresión individual y colectiva. Así, trabajaremos tanto la consciencia de la propia voz como la voz del grupo. Por lo que el trabajo coral irá enfocado a la exploración, la comunicación y la interpretación.
¿Por qué vivir la experiencia de cantar en un coro GOSPEL?
Cantar en un coro gospel es mucho más que una actividad musical. Uno de sus elementos más distintivos es la intensidad emocional y expresiva. A diferencia de otros estilos corales, donde la precisión técnica puede ser el foco principal, el gospel enfatiza la conexión conexión emocional con la música y con el público. Su mensaje de esperanza, fe y superación personal crea un ambiente en el que cada interpretación se convierte en una experiencia profunda y vibrante. Otro rasgo único es la participación activa del cuerpo en la interpretación del repertorio. Mientras que en muchos coros la postura y el movimiento suelen ser más contenidos, el gospel fomenta la libertad expresiva del cuerpo, incorporando coreografías, aplausos, balanceos y gestos que potencian la interpretación. Además, cantar en un coro gospel fomenta un profundo sentido de comunidad y pertenencia. En el gospel, la voz del coro y el corazón del público laten al unísono; se potencia la conexión emocional y espiritual entre quien canta y quien escucha generándose una misma energía, donde la música no solo se interpreta, sino que se vive y se comparte. El público suele involucrarse con respuestas interactivas, creando una atmósfera dinámica y energizante. Desde el punto de vista vocal, el gospel permite explorar una amplia gama de colores y matices en la voz.
En el gospel se desarrolla el uso del twang, falsete, voz mixta, sob, voz aflautada, voz aireada, belting, etc… Además está el uso de técnicas como la improvisación, la variación melódica o el uso del «call and response» (llamada y respuesta), entre otras. En definitiva, cantar en un coro GOSPEL es una manera de fomentar la colaboración, el apoyo mutuo y la pasión compartida a través de un repertorio que transmite valores universales de unión y esperanza. Si quieres conectar con la música, con los demás y contigo mismo, divirtiéndote, emocionando y compartiendo alegría, has llegado al sitio perfecto.
TALLER DE IMPRO-TEATRO
La improvisación teatral es una disciplina artística única que, más allá de sus aplicaciones en el escenario, tiene un impacto profundo en el desarrollo personal de quienes la practican. A través de ejercicios espontáneos y creativos, la improvisación enseña a confiar en el momento presente, a liberarse de los juicios y a abrazar lo inesperado. Este enfoque no solo mejora las habilidades escénicas, sino que también potencia el crecimiento emocional, cognitivo y social de los participantes.
Beneficios personales: 1. Fomento de la autoconfianza: La improvisación desafía a los participantes a actuar sin guion, lo que les permite enfrentar el miedo al error y aprender a confiar en su intuición. Al no depender de una estructura preestablecida, los participantes desarrollan una mayor seguridad en sí mismos, mejorando su autoaceptación y capacidad para tomar riesgos. 2. Desarrollo de la creatividad: La improvisación es una herramienta poderosa para estimular la creatividad. Al no estar sujetos a una narrativa fija, los individuos aprenden a pensar de manera más libre y a explorar nuevas ideas. Esta creatividad también se traslada a otros aspectos de la vida, ayudando a encontrar soluciones innovadoras en diversos contextos. 3. Mejora de la comunicación: Los ejercicios de improvisación fomentan una escucha activa y la respuesta espontánea, cualidades esenciales para una comunicación efectiva. A través de la improvisación, los participantes aprenden a expresarse de manera clara y honesta, sin el miedo a ser juzgados, lo que fortalece su capacidad de interactuar tanto en entornos personales como profesionales. 4. Manejo del estrés y la ansiedad: La improvisación, al involucrar la aceptación del “fracaso” como parte del proceso creativo, permite a los participantes liberarse de tensiones y mejorar su capacidad para manejar situaciones estresantes, tanto en el escenario como en la vida diaria.
Beneficios artísticos: 1. Expansión de las habilidades interpretativas: La improvisación ayuda a los actores a expandir su rango emocional y expresivo, permitiéndoles experimentar con personajes, situaciones y emociones de forma más libre y auténtica. Los actores que practican la improvisación desarrollan una capacidad más profunda para adaptarse rápidamente a diferentes estilos y contextos teatrales. 2. Colaboración y trabajo en equipo: A diferencia de otros tipos de teatro, la improvisación pone un énfasis central en el trabajo colectivo. Los participantes aprenden a construir historias y personajes de manera conjunta, lo que fortalece las habilidades de colaboración y la empatía en el escenario. Este tipo de trabajo en equipo también fomenta el sentido de comunidad y el respeto mutuo entre los miembros. 3. Aumento de la presencia escénica: La improvisación, al requerir de una constante atención al momento presente, ayuda a los actores a desarrollar una mayor presencia escénica, es decir, la capacidad de estar completamente involucrados en el proceso de creación, lo que genera una actuación más auténtica y conectada con el público.
SOUNDPAINTING
Este lenguaje universal de signos es una gran herramienta para la composición multidisciplinar en vivo con movimiento, música, actores y artistas visuales, que funciona mediante propuestas a los artistas a través de una sintaxis que indica QUIÉN, QUÉ, CÓMO y CUÁNDO realizar una acción. Su filosofía es que no existe el error pues la composición se genera con lo que los artistas pueden ofrecer y no con lo que no pueden ofrecer, es decir, con su personalidad y universo creativo aprovechando el potencial artístico que ofrece lo inesperado.
El Soundpainter (compositor), mediante la sintaxis, va proponiendo materiales a los artistas y sobre sus respuestas organiza y dirige la composición. El soundpainting ofrece una gran cantidad de recursos para poder captar materiales de todas las disciplinas, acortarlos, guardarlos, desarrollarlos, combinarlos y volver a utilizarlos a la largo del momento escénico para dotar de organicidad a la composición, que se afronta como una proposición y no como una imposición y donde se aprovecha el error como elemento de carácter, creador de sentido y, en ocasiones, significado.
La diferencia y la diversidad tienen un valor muy importante en la creación con Soundpainting, donde se pone en valor que cada artista muestre y desarrolle su personalidad, su potencial expresivo, su presencia escénica y su capacidad de escuchar y relacionarse con lo que acontece.
Soundpainting es una herramienta que puede contribuir al cultivo y desarrollo de la creatividad musical desde un enfoque de juego y aceptación del error, donde el control atencional forma parte indispensable del funcionamiento. A su vez utiliza las habilidades propias de los participantes para promover retos y situaciones desafiantes donde poder tomar decisiones adaptativas y creativas con distintos grados de libertad. Este proceso se da tanto sobre la persona como el producto artístico, pudiendo llegar a estados de alta concentración en la tarea, con una ausencia de preocupaciones por lo que pueda ocurrir propiciando un alto disfrute de la propia experiencia y donde la percepción del tiempo se dilata de manera considerable. Por ello se considera que tanto el aprendizaje de este lenguaje como su práctica es una excelente manera para de la creatividad artística en cualquier ámbito.
ACTIVIDADES LÚDICAS CON EL EQUIPO DE MONITORES